10 pinturas y obras de arte abstractas más famosas

En esta lista de las pinturas abstractas más famosas se encuentran algunas de las piezas más influyentes que jamás haya producido el movimiento de arte abstracto.

Para muchos, el arte abstracto puede resultar abrumador, ya que para el ojo inexperto, el significado y la intención del artista pueden resultar difíciles de comprender.

Esto se debe en gran parte a la falta de pistas visuales que normalmente se basan en la realidad en otros tipos de arte.

Los primeros artistas abstractos estaban abriendo un camino en nuevos terrenos y sus obras de arte abarcaban muchos medios y técnicas.

Atrás quedaron las restricciones más seguras del arte representativo más tradicional que había encadenado a los artistas durante siglos y se encontró una nueva sensación de libertad ilimitada.

Índice de contenidos

Cuadros Abstractos Famosos

1. Sin título (Primera acuarela abstracta) – Wassily Kandinsky

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Sin título (Primera acuarela abstracta) fue pintado en 1910 por Wassily Kandinsky y se considera una de las primeras pinturas abstractas verdaderas.

Aunque muchos artistas antes de este trabajo también habían comenzado a pensar en términos de abstracción, esta pieza es sin duda una de las primeras en mostrarse públicamente en cualquier lugar y ciertamente despertó un interés considerable entre las masas en ese momento.

De hecho, es un estudio preparatorio para una obra posterior llamada Composición VII, que luego fue pintada en 1913.

Muchos lo han anunciado como uno de los momentos decisivos en la génesis del movimiento abstracto, sin embargo, las obras anteriores de Kandinsky ya habían mostrado fuertes indicios de hacia dónde viajarían los artistas en sus obras posteriores.

Su trabajo marcó un alejamiento muy definido de las tradiciones representativas del arte europeo hasta ese momento y un eventual movimiento hacia la abstracción pura.

Actualmente reside en el Musée National d’Art Moderne en el Centre Pompidou, París, Francia.

2. Full Fathom Five – Jackson Pollock

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Aunque solo viviría 44 años, Jackson Pollock iba a tener un profundo impacto en el mundo del arte moderno pintando unas 363 obras de arte en total.

Se hizo famoso por sus técnicas de goteo donde el lienzo se colocaba en el piso y luego la pintura goteaba desde arriba.

Pollock solía usar pintura de pared barata en lugar de pinturas al óleo costosas cuando usaba esta técnica, ya que no requería dilución.

Full Fathom Five es una de las primeras pinturas abstractas de estilo goteo de Pollock.

Tiene una capa inferior pintada de negro sobre la que ha goteado pintura de la casa desde arriba, también tiene muchos objetos ordinarios como monedas, colillas de cigarrillos y una llave, todo lo cual ayuda a agregar a la capa superior de gran textura que se destaca del lienzo. .

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Su nombre es en realidad de una línea en «La tempestad» de William Shakespeare que un vecino le sugirió a Pollock.

Pollock utilizó diferentes técnicas de vertido y espesores de pintura para permitirle gotear en una línea casi continua para cada color en lugar de líneas discontinuas o remolinos.

Muchos han dicho que las técnicas surgieron por accidente, pero en realidad puede verse como un experimento puro que llevó a uno de los lanzamientos de la carrera de uno de los artistas más famosos de la historia.

3. Tableau I – Piet Mondrian

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‘Composición II en rojo, azul y amarillo’ es una de las pinturas abstractas más importantes de Piet Mondrian, ya que marcó un cambio significativo de los artistas más tradicionales después de mudarse de los Países Bajos a París.

Muestra su filosofía de que el universo es una colección naturalmente armoniosa de diferentes objetos y sustancias y estos podrían combinarse en bloques geométricos y líneas negras definidas.

En la pieza solo se utilizan colores primarios y estos enfatizan los componentes básicos de todos los colores.

Mondrian logró un equilibrio casi perfecto en toda la pintura con sumo cuidado para garantizar que la distribución del color y la delineación clara de las líneas que forman las formas separadas crean una armonía compositiva perfecta.

La obra es ahora una obra de arte abstracta muy famosa y su imagen se ha utilizado una y otra vez en toda la cultura pop.

4. 1936 (Relieve blanco) – Ben Nicholson

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Ben Nicholson fue influenciado en gran medida por los movimientos postimpresión y cubista que fueron una desviación importante de sus anteriores trabajos figurativos más tradicionales.

Sin embargo, se inspiró en gran medida en Mondrian y se alejó considerablemente de las técnicas de pintura y el arte representativo para crear una serie de relieves geométricos que son monocromáticos.

Es el «White Relief» completamente blanco de 1936 que se dice que es su mejor obra abstracta y tiene un aire asombrosamente tranquilo.

También fue autor de un manifiesto constructivista más tarde en la vida.

5. La Mancha Roja – Joan Miro

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Joan Miro es uno de los artistas españoles más famosos que jamás haya existido.

Sus obras abarcan muchos géneros como el abstracto, el surrealismo y el fauvismo, pero es su trabajo abstracto por lo que será mejor recordado.

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Su nombre estará asociado durante mucho tiempo con la creación de algunas de las mejores pinturas españolas jamás producidas.

La Mancha Roja o “The Red Spot” en inglés cruza las fronteras entre el arte abstracto y el surrealismo.

Miro afirmó que no hizo más que pintar las imágenes que veía en su cabeza y siempre dudaba en describir su trabajo como un abstracto puro.

Las imágenes a menudo eran el resultado de alucinaciones de hambre y fatiga más que inducidas por drogas.

6. Montañas y mar – Helen Frankenthaler

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Pintado en 1952 cuando Helen Frankenthaler tenía solo 23 años, Mountains and Sea está pintado con una técnica de tinte en remojo mediante la cual se usan pinturas al óleo muy diluidas para teñir un lienzo sin preparar.

Desafortunadamente, la mancha del lienzo por la pintura diluida eventualmente hará que el lienzo se pudra con el tiempo.

Mountains and Sea fue pintado por Frankenthaler luego de un viaje a Nueva Escocia el verano anterior y se dice que su técnica se inspiró en una vista de algunas de las pinturas en blanco y negro de Jackson Pollock en 1951.

El lienzo es bastante grande y mide unos dos metros por tres metros, lo que, cuando se ve en persona, también ayuda a que las imágenes “floten” fuera del lienzo debido a la técnica de manchado en remojo utilizada.

También fue una consumada grabadora y experimentó con el corte de madera y la cerámica.

7. No 2 Azul Rojo Verde – Mark Rothco

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Mark Rothco fue esencialmente un pintor expresionista abstracto cuyas obras iniciales que se inspiraron en gran medida en la mitología y la filosofía dieron paso más tarde a obras que se basaban en grandes porciones de colores que a menudo se lavaban.

Estos lienzos lavados a menudo con solo tres colores se convertirían en sus obras de firma y su nombre siempre será sinónimo de estilo.

Su trabajo encaja perfectamente en el de un pintor de campo de color y, aunque alguna vez se consideró a sí mismo como uno, sus pinturas se utilizan de forma rutinaria como ejemplos del género.

Los trabajos anteriores de Rothco eran tonos más claros, pero a medida que su edad avanzaba y su salud mental declinaba, su paleta de colores pasó de tonos claros a tonos más oscuros.

No 2 Blue Red Green puede verse como una transición entre su fase clara y oscura.

8. Intercambio – Willem de Kooning

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Interchange es una de las primeras pinturas de paisajes del artista holandés-estadounidense Willem de Kooning.

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Es más notable ya que es una de las pinturas abstractas más caras que jamás haya cambiado de manos.

En una venta fuera del mercado, David Geffen de Geffen Records vendió la pieza al multimillonario administrador de fondos de cobertura Kenneth C. Griffin por $ 300 millones en 2015, que era en ese momento el precio más alto registrado para cualquier pintura en los tiempos modernos.

Entonces solo fue eclipsado por el Salvator Mundi de Da Vinci en 2017.

Antes de esta pieza, de Kooning había centrado gran parte de su arte en figuras femeninas e Interchange fue la primera salida importante hacia composiciones más basadas en paisajes o arquitectura.

9. Black Iris – Georgia O’Keeffe

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Las obras de Georgia O’Keeffe se han convertido en algunas de las pinturas abstractas más discutidas y analizadas de todos los tiempos.

Para su disgusto, la pintura fue interpretada como una metáfora de los genitales femeninos por la historiadora del arte Linda Nochlin.

Tanto es así que la artista resintió la interpretación que en su posterior exposición presentó un texto de acompañamiento que decía:

“Bueno, te hice tomar tiempo para mirar lo que vi y cuando te tomaste el tiempo para notar realmente mi flor, colgaste todas tus asociaciones con flores en mi flor y escribiste sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas. y veo la flor, y yo no «.

Sin embargo, como artista femenina, su asociación ha sido casi imposible de deshacer y sus obras de arte abstractas casi siempre estarán asociadas con las partes íntimas femeninas.

10. Pintura abstracta 726 – Gerhard Richter

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Gerhard Richter pintó Pintura abstracta (726) en 1990 y es un díptico que consta de dos tramos de lienzo.

La pintura consta de formas horizontales que se componen principalmente de blanco, rojo y naranja.

Richter a lo largo de su carrera volvería después de un tiempo a piezas más antiguas y las cambiaría a veces considerablemente de la imagen original.

La pintura abstracta (726) es una de esas obras de arte y no solo fue embotada por Richter, sino que el artista también agregó varios rasguños verticales.

El resultado es un trabajo que parece una imagen subyacente que se ha difuminado y el espectador se deja a su propia interpretación para encontrar el significado.

Esperamos que haya disfrutado de esta lista de pinturas abstractas famosas que esperamos le permitan familiarizarse más con el movimiento y sus principales obras de arte.

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